La Galleria Borghese de Rome

La Galleria Borghese à Rome a été décrite par le grand historien de l'art Francis Haskell comme une sorte de "merveilleuse confusion" en raison de sa variété d'œuvres et de styles picturaux. C'est en effet un musée fascinant né de la passion insatiable pour la collection du cardinal Scipione Caffarelli Borghese, neveu du pape Paul V.

Située dans la célèbre Villa Borghese, la galerie se trouve dans un magnifique palais datant du XVIIe siècle qui constitue le cadre idéal pour des chefs-d'œuvre connus dans le monde entier.

Une collection de sculptures, de bas-reliefs, de mosaïques anciennes, de peintures et de sculptures allant du XVe au XIXe siècle s'étend dans les 20 salles ornées de fresques qui, avec le portique et le hall d'entrée, constituent les espaces du musée ouverts au public. Parmi les chefs-d'œuvre de la collection, dont le premier et le plus important noyau remonte à l'époque du cardinal Scipione, se distinguent des œuvres de Caravage, Raphaël, Titien, Correggio, Antonello da Messina, Giovanni Bellini, Gian Lorenzo Bernini et Canova.

De plus de 260 peintures sont conservées dans les réserves de la Galleria Borghese, situées au-dessus du niveau de la pinacothèque et configurées comme une galerie. Sachez que les réserves sont visibles sur réservation. C'est pourquoi visiter la Galleria Borghese est considéré comme une "délice de Rome".

ACHETEZ LES BILLETS AVEC ACCÈS RAPIDE À LA GALLERIE BORGHESE

La villa

La Villa Borghese "hors de la Porte Pinciana", dans laquelle se trouve la Galleria, a été construite au début du XVIIe siècle autour d'un premier domaine de la famille Borghese, auquel d'autres terrains ont progressivement été annexés jusqu'à constituer un immense parc. La montée rapide des Borghese, d'origine siennoise, dans le contexte romain, culmina avec l'élection du pape Camillo (1605-1621) qui, sous le nom de Paul V, initia la grande période d'interventions urbanistiques et d'extraordinaires entreprises de collection. Les travaux de construction de la villa et des jardins, d'abord confiés à l'architecte Flaminio Ponzio puis à Vasanzio, se déroulèrent entre 1607 et 1613.

À partir de 1770, la villa fut soumise à un renouvellement radical du décor, promu par Marcantonio IV Borghese et conduit par l'architecte Antonio Asprucci. Une équipe de peintres, parmi lesquels Mariano Rossi, Domenico Corvi et Christoph Unterberger, ainsi que des sculpteurs comme Vincenzo Pacetti, Agostino Penna et l'orfèvre Luigi Valadier, intervinrent dans la décoration des lieux, faisant de la villa Pinciana un modèle de renouvellement stylistique d'envergure européenne, à l'aube de l'affirmation définitive du néoclassicisme.

Dans la nouvelle présentation, Asprucci disposa les plus grands chefs-d'œuvre de la sculpture antique selon un nouveau critère d'exposition, les plaçant au centre de chaque salle et reliant l'ensemble du thème décoratif au noyau iconographique du groupe sculptural. Malgré le retrait des sculptures archéologiques de l'ancienne collection du cardinal Scipione, suite à la vente imposée en 1807 par Napoléon à Camillo Borghese et aux intégrations ultérieures du XIXe siècle, la décoration des salles reflète encore aujourd'hui les critères d'exposition voulus par Antonio Asprucci. C'est l'un des parcs qu'il faut absolument visiter à Rome.

La collection

Avec l'accession au trône pontifical de Paul V Borghese, le cardinal neveu Scipione Caffarelli Borghese entreprit une intense commande architecturale, tout en commençant une acquisition systématique d'œuvres d'art, qui fera de sa collection l'une des plus grandes de l'époque.

En 1607, grâce à la saisie des peintures de l'atelier du Cavalier d'Arpino, il obtint environ 100 peintures, dont certaines œuvres juvéniles de Caravage. La même année, il acquit la collection du patriarche d'Aquilée, tandis qu'en 1608, 71 œuvres extraordinaires appartenant au cardinal Sfondrato, parmi lesquelles on suppose l'Amour sacré et l'Amour profane de Titien, le Portrait de Jules II, aujourd'hui conservé à la National Gallery de Londres, et la Vierge à l'enfant de Raphaël, aujourd'hui au Musée Condé de Chantilly, furent achetées.

L'extrême audace utilisée par le cardinal Scipione pour acquérir les œuvres d'art est attestée par de nombreux événements, comme l'achat en 1605 de la Vierge des Palefreniers de Caravage, refusée par la Confrérie peu de temps avant l'exposition dans la chapelle de Saint-Pierre, peut-être à la demande même du pape ; ou le spectaculaire vol de la Déposition Baglioni de Raphaël, prélevée à la demande de Scipione au couvent franciscain de Pérouse à Prato, faite descendre des murs de la ville pendant la nuit du 18 au 19 mars 1608 et ensuite déclarée "chose privée du cardinal" par Paul V.

La collection de sculptures antiques s'est également enrichie au fil du temps : d'abord par l'achat en 1607 des collections Della Porta et Ceuli auxquelles s'ajoutèrent le célèbre Gladiateur, aujourd'hui au Louvre, et l'Hermaphrodite, découvert lors de fouilles près de l'église de Santa Maria della Vittoria.

À la splendeur des marbres archéologiques faisait écho l'extraordinaire nouveauté de la statuaire "moderne", en compétition constante avec les modèles classiques : de 1615 à 1623, le jeune Gian Lorenzo Bernini exécuta pour le cardinal les célèbres groupes sculpturaux encore conservés dans le musée : la Chèvre Amalthea, Énée et Anchise, l'Enlèvement de Proserpine, David, Apollon et Daphné.

À la fin du XVIIe siècle, les Borghese pouvaient compter sur une collection d'environ 800 peintures et sur l'une des plus célèbres collections d'antiquités de Rome, ainsi qu'un immense patrimoine immobilier.

C'est justement la collection archéologique qui éveilla l'intérêt de Napoléon Bonaparte, dont la sœur Paolina épousa le prince Camillo Borghese. Suite à la vente forcée imposée par l'empereur, les sculptures, entre la fin de 1807 et 1808, furent démontées de leur emplacement d'origine et transportées au Musée du Louvre, dont elles constituent aujourd'hui l'un des noyaux fondamentaux de la collection archéologique.

Dans les années qui suivirent, grâce aux réintégrations opérées avec le retour de statues et les nouvelles fouilles promues par le chargé d'affaires du prince, Evasio Gozzani di San Giorgio, la Palazzina Pinciana prit son aspect actuel. En 1902, la Galleria Borghese fut acquise par l'État italien.

Paolina Borghese Bonaparte comme Vénus Victrice, Antonio Canova - Salle 1, Salle de la Paolina

L'œuvre a été commandée en 1804 au célèbre sculpteur vénitien par le prince Camillo Borghese en l'honneur de sa jeune épouse, sœur cadette de l'empereur Napoléon Bonaparte. Ne suscitant pas peu de scandale parmi ses contemporains, la princesse se vêtit des traits de la déesse Vénus, victorieuse dans le jugement de Pâris, afin d'exalter son rang social et dynastique ainsi que sa célèbre beauté. Paolina repose semi-nue sur un divan en bois peint, orné d'inserts dorés, tout en tenant entre ses doigts délicats la pomme, attribuée à la déesse en signe de reconnaissance de sa suprématie parmi les divinités féminines. Grâce antique et artifice compositif s'accordent avec le rendu naturaliste, presque pictural, des chairs moelleuses et des voiles légers qui couvrent ses côtés.

Danaé, Correggio - Salle 10, Salle d'Hercule

Le tableau est inspiré du mythe grec de Danaé, fille du roi d'Argos Acrisio : ayant un oracle prédit à son père qu'il serait tué par un fils né d'elle, elle fut enfermée dans une tour de bronze mais, comme le raconte Ovide dans ses Métamorphoses, Jupiter la rejoignit dans sa prison sous la forme d'une pluie d'or et fit d'elle la mère de Persée. La toile fait partie de la série des Amours de Jupiter (avec Léda, L'Enlèvement de Ganymède et Jupiter et Io) que Correggio peignit pour Federico II Gonzaga, afin de l'offrir à Charles V, à l'occasion de son couronnement à Bologne en 1530.

Danaé est l'un des très rares tableaux de Correggio dans lequel la scène se déroule dans un intérieur domestique. L'intimité de l'atmosphère est accentuée par la présence des deux amours qui testent sur une pierre de touche la pureté de l'or. Le tableau de Correggio fut acheté par le prince Camillo Borghese en 1827.

David, Gian Lorenzo Bernini - Salle 2, Salle de David

Bernini représente David, l'héros biblique au moment qui précède le lancer de la pierre qui frappera le géant Goliath, convoqué par les Philistins pour combattre l'armée israélite du roi Saül. Au sol se trouvent la cuirasse donnée par le roi et une lyre, attribut habituel de l'héros, ici significativement terminée par une tête d'aigle, témoignage évident de la commande et de l'intention célébrative de la maison Borghese. La sculpture à l'arrière n'est pas finie, car à l'origine, elle était appuyée contre un mur de l'actuelle Salle I. Comme pour Apollon et Daphné, cette position exaltait chez le spectateur la perception du développement de l'action à travers la torsion du corps et des bras contractés sur la fronde, jusqu'à parvenir à la vision du visage concentré dans l'effort du moment, dans lequel on pourrait reconnaître le même Bernini.

Apollon et Daphné, Gian Lorenzo Bernini - Salle 3, Salle d'Apollon et Daphné

Le sujet du groupe sculptural est la fable d'Ovide tirée des Métamorphoses, où l'on raconte qu'Apollon, à cause d'une vengeance d'Éros, est frappé par une flèche d'or qui l'infatuera de la nymphe Daphné, adepte de Diane. La jeune fille, pour sa part, frappée par une flèche de plomb vil, refuse l'amour du dieu et prie son père Pénéios, divinité fluviatile, de l'aider à changer ces apparences qui ont suscité tant de passion. L'œuvre représente le moment culminant de la métamorphose de Daphné en arbre de laurier. Bernini crée une mise en scène théâtrale qui met en évidence le développement de la transformation.

Enlèvement de Proserpine, Gian Lorenzo Bernini - Salle 4, Salle des Empereurs

La sculpture représente l'enlèvement de Proserpine par Pluton, dieu des Enfers.

Le mythe, présent tant chez Claudien (De raptu Proserpinae) que chez Ovide (Les Métamorphoses), raconte l'enlèvement de la jeune fille sur les rives du lac de Pergusa, près d'Enna. La mère Cérès, déesse des moissons, folle de douleur, réduisit la terre à la sécheresse, forçant Jupiter à intercéder auprès de Pluton pour permettre à la jeune de revenir vers elle six mois par an.

Bernini représente le moment culminant de l'action : le dieu fier et insensible entraîne Proserpine dans les Enfers, les muscles tendus dans l'effort de soutenir le corps qui se débat, tant et si bien que les mains de Pluton s'enfoncent dans sa chair. Dans la réalisation de l'œuvre, Bernini s'inspire du virtuosité des sculpteurs de l'époque manériste. À la vérité de l'action, recherchée à travers l'étude approfondie des modèles anciens, Bernini allie la force plastique, l'intensité expressive de la jeune fille, la liberté de l'invention poussée jusqu'à frôler les limites physiques du marbre.

David avec la tête de Goliath, Caravage - Salle 8, Salle de Silène

Le tableau a été exécuté très probablement à Naples, où Caravage, ayant fui Rome en 1606, se trouvait en exil pour l'accusation de meurtre. L'œuvre représente la victoire de l'héros d'Israël sur le géant philistin Goliath. Cependant, David ne manifeste pas une attitude de triomphe tandis qu'il tient et observe la tête tranchée de Goliath ; son expression est plutôt de la pitié envers ce "pécheur", dans le visage duquel Caravage aurait représenté son propre autoportrait. La description du visage de Goliath, si vivante dans son front plissé, sa bouche ouverte pour le dernier souffle, son regard souffrant, son teint sans vie, représente le résultat du drame humain vécu par l'artiste. L'inscription qui apparaît sur l'épée "H.AS O S" a été interprétée par la critique avec la devise augustinienne Humilitas occidit superbiam. L'épisode biblique devient donc un témoignage impressionnant des derniers mois de vie de Caravage, rendant plausible l'hypothèse selon laquelle le peintre aurait envoyé la toile au cardinal Scipione Borghese, comme cadeau à remettre au pape Paul V pour obtenir le pardon et le retour dans son pays. La grâce fut accordée mais Caravage, presque à la fin de son voyage vers Rome, mourut sur la plage de Porto Ercole dans des circonstances encore mystérieuses.

Dame avec un licorne, Raphaël - Salle 9, Salle de Didon

La jeune représentée est une fille florentine, comme le montre la précieuse robe à la mode du début du XVIe siècle, la gamurra. Le tableau, dont on n'a pas de nouvelles documentaires certaines, a été commandé, très probablement, comme cadeau de mariage.

Cela est suggéré par certains détails décoratifs, en particulier les pierres du pendentif (rubis et saphir), symboles des vertus conjugales et de la pureté virginale de la mariée, ainsi que la perle scaramazza, symbole de l'amour spirituel et de la féminité créatrice, déjà depuis l'Antiquité. Le même collier en or, caractérisé par le nœud, fait clairement référence au lien matrimonial. De même, la présence du petit unicorn qui repose sur son genou, un animal fantastique issu de la littérature médiévale, est attribuée à la virginité. L'exécution du tableau devrait dater de son séjour à Florence, précédant le transfert de Raphaël à Rome.

Amour sacré et amour profane, Titien - Salle 20, Salle de Psyché

L'œuvre a constitué pendant des siècles une véritable énigme interprétative. Elle a probablement été commandée par le Secrétaire du Conseil des Dix, Niccolò Aurelio, dont l'emblème est sculpté sur le front du sarcophage, à l'occasion de son mariage avec Laura Bagarotto, dont l'entreprise héraldique apparaît sur le fond du bassin en argent posé au-dessus du sarcophage. La référence à la symbolique nuptiale est exprimée par la couronne de myrte et la ceinture, tous deux attributs de l'amour conjugal, portée par la jeune fille assise à gauche. Le point central de la composition est constitué par l'évidente opposition des deux figures féminines, physionomiquement similaires : l'une vêtue, regardant le spectateur, l'autre nue, lui faisant face en attitude d'exhortation. La lampe qu'elle tient dans sa main, symbole de l'ardeur amoureuse, permet de l'identifier comme Vénus, tandis qu'au centre Cupidon remue l'eau de la sarcophage transformée en fontaine. Les dernières considérations critiques tendent à privilégier le sens matrimonial du tableau, c'est-à-dire l'exaltation des qualités de la parfaite épouse : splendidement vêtue dans sa dignité publique, riche d'attributs nuptiaux appropriés à son niveau social, mais en même temps nue et ardente d'amour pour son époux dans la sphère intime.

REGARDEZ AUSSI : I MUSEES GRATUITS DE ROME

La Galleria Borghese est le seul musée au monde à offrir un dépôt conçu comme une véritable galerie. En 2005, au troisième étage du bâtiment, a été aménagée une "deuxième pinacothèque", un espace lumineux et organisé ouvert régulièrement au public, classé par écoles de peinture et par thèmes.

Ici se conserve cette partie de la collection qui ne trouve pas place dans les deux étages inférieurs. Dans le grand espace des dépôts, environ 260 peintures sont exposées sur deux niveaux. Dans le couloir extérieur se trouvent de grandes toiles du domaine raffaellesque, parmi lesquelles la magnifique Vierge à l'enfant de Scipione Pulzone, la Vierge à l'enfant de Perin del Vaga, et la copie de la célèbre Vierge de la Maison d'Alba de la National Gallery de Washington.

Le grand salon central est dominé par le grand tableau de Lavinia Fontana représentant Minerve en train de s'habiller, qui appartenait au cardinal Scipione Borghese, qui l'a acheté directement à l'artiste ou à ses héritiers. De l'autre côté se trouve le Christ porteur de Croix, un majestueux tableau historiquement attribué à Sebastiano del Piombo mais dont la récente restauration a permis de le réattribuer à Giovanni De Vecchi. Le long des murs dédiés au XVIe et au XVIIe siècles sont exposées, entre autres, des toiles des Carracci et Les Trois âges de la vie, une copie de Titien de Sassoferrato.

Dans l'espace central se trouve La Déposition de Christ dans le sépulcre de Passignano, à l'étage supérieur le Christ flagellé de Giovanni Baglione, le biographe de Caravage. Dans les vitrines sont conservées des peintures de plus petite taille, parmi lesquelles les magnifiques huiles sur pierre paesina d'Antonio Tempesta, La prise de Jérusalem et Paysage fantastique.

Horaires

La Galleria Borghese est ouverte du lundi au vendredi, de 9h00 à 19h00, dernière entrée à 17h00.

Pour des raisons de sécurité liées à la configuration de l'immeuble historique, l'accès au musée est réglementé par des créneaux de visite de deux heures chacun, pour un maximum de 100 personnes chacun, aux horaires d'entrée et de sortie suivants :

09h00-11h00 11h00-13h00 13h00-15h00 15h00-17h00 17h00-19h00

Billets

La réservation est obligatoire. Il est possible d'acheter le billet sur le site officiel ou en appelant le numéro +33 1 40 20 50 50.

Visites guidées

La Galleria Borghese propose des visites guidées en italien et en anglais, mais aussi dans d'autres langues. Le coût des visites guidées est de 8 €, en plus du prix du billet et des droits de réservation.

Les visites guidées ont lieu chaque vendredi à 15h00 et 17h00.

Visites des dépôts

Les visites guidées dans les dépôts ont été temporairement suspendues et devraient reprendre à partir du mois de mars. Pour plus d'informations, veuillez contacter le numéro 06 67233753 ou écrire à l'adresse ga-bor.info@beniculturali.it

Photo : © Evgenii Iaroshevskii / Shutterstock