La Galería Borghese de Roma

La Galería Borghese de Roma fue definida por el gran historiador del arte Francis Haskell como una especie de "maravillosa confusión" debido a su variedad de obras y estilos pictóricos. De hecho, es un fascinante museo nacido de la insaciable colección del cardenal Scipione Caffarelli Borghese, sobrino del Papa Paulo V.

Sumergida en la célebre Villa Borghese, la galería se encuentra en un maravilloso palacio del siglo XVII que representa el marco ideal para obras maestras reconocidas en todo el mundo.

Una colección de esculturas, relieves, mosaicos antiguos, pinturas y esculturas que van del siglo XV al XIX se despliega en las 20 salas decoradas con frescos que, junto al pórtico y el salón de entrada, constituyen los ambientes del museo abiertos al público. Entre las obras maestras de la colección, cuyo primer y más importante núcleo se remonta a la época del cardenal Scipione, destacan obras de Caravaggio, Rafael, Tiziano, Correggio, Antonello da Messina, Giovanni Bellini, Gian Lorenzo Bernini y Canova.

Además, más de 260 pinturas se conservan en los depósitos de la Galería Borghese, situados por encima del piso de la Pinacoteca y organizados como una sala de exposiciones. Sepan que los depósitos son visitables con reserva previa. Por eso es recomendable visitar la Galería Borghese, considerada desde siempre "delicia de Roma".

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La villa

La Villa Borghese "fuera de Porta Pinciana", dentro de la cual se sitúa la Galería, se construyó a principios del siglo XVII alrededor de una posesión inicial de la familia Borghese, a la que se anexaron progresivamente otros terrenos hasta constituir un inmenso parque. La rápida ascensión de los Borghese, de origen senes, en el contexto romano, culminó con la elección del papa Camillo (1605-1621), que, bajo el nombre de Paulo V, inició la gran etapa de intervenciones urbanísticas y extraordinarias actividades de colección. Los trabajos de construcción de la villa y de los jardines, inicialmente a cargo del arquitecto Flaminio Ponzio y luego de Vasanzio, se llevaron a cabo entre 1607 y 1613.

A partir de 1770, la villa fue sometida a una renovación radical de su decorado, promovida por Marcantonio IV Borghese y dirigida por el arquitecto Antonio Asprucci. Un grupo de pintores, entre ellos Mariano Rossi, Domenico Corvi y Christoph Unterberger, así como escultores como Vincenzo Pacetti, Agostino Penna y el orfebre Luigi Valadier intervinieron en la decoración de los ambientes, convirtiendo la villa Pinciana en un modelo de renovación estilística de alcance europeo, justo antes de la consolidación definitiva del Neoclasicismo.

En la nueva disposición, Asprucci organizó las principales obras maestras de la escultura antigua según un nuevo criterio de exposición, colocándolas en el centro de cada sala y enlazando todo el tema decorativo con el núcleo iconográfico del grupo escultórico. A pesar de la remoción de las esculturas arqueológicas de la antigua colección del cardenal Scipione, consecuencia de la venta impuesta en 1807 por Napoleón a Camillo Borghese y las posteriores integraciones del siglo XIX, todavía hoy, la decoración de las salas refleja los criterios de la disposición deseada por Antonio Asprucci. Es uno de los parques que merecen una visita en Roma.

La colección

Con la ascensión al trono pontificio de Paulo V Borghese, el cardenal sobrino Scipione Caffarelli Borghese emprendió una intensa contratación arquitectónica, iniciando al mismo tiempo una adquisición sistemática de obras de arte, que harían de su colección una de las más grandes de la época.

En 1607, a través de la confiscación de las pinturas del estudio del Caballero de Arpino, entró en posesión de alrededor de 100 pinturas, entre las que se encuentran algunas obras juveniles de Caravaggio. Ese mismo año adquirió la colección del patriarca de Aquilea, mientras que en 1608 se compraron 71 extraordinarias pinturas que pertenecían al cardenal Sfondrato, entre las cuales se supone que se encuentra el Amor Sagrado y Amor Profano de Tiziano, el Retrato de Julio II, actualmente conservado en la National Gallery de Londres, y la Madonna del velo de Rafael, actualmente en el Musée Condé de Chantilly.

La extrema audacia utilizada por el cardenal Scipione en la adquisición de las obras de arte está atestiguada por numerosas historias, como la compra en 1605 de la Madonna de los Palafrenieri de Caravaggio, rechazada por la Cofradía poco tiempo antes de su exposición en la capilla de San Pedro, quizás por voluntad del propio papa; o la rocambolesca sustracción de la Deposición Baglioni de Rafael, retirada por orden de Scipione del convento de San Francisco en Prato, que fue bajada de las murallas de la ciudad en la noche del 18 al 19 de marzo de 1608 y luego declarada "cosa privada del cardenal" por Paulo V.

También la colección de esculturas antiguas se había enriquecido constantemente con el tiempo: primero con la compra en 1607 de las colecciones Della Porta y Ceuli a las que se añadió el célebre Gladiador, hoy en el Louvre, y el Hermafrodita, descubierto durante las excavaciones cerca de la iglesia de Santa Maria della Vittoria.

Al resplandor de los mármoles arqueológicos se unía la extraordinaria novedad de la escultura "moderna", en constante competencia con los modelos clásicos: entre 1615 y 1623, el joven Gian Lorenzo Bernini realizó para el cardenal los célebres grupos escultóricos que aún hoy se conservan en el museo: la Cabra Amaltea, Eneas y Anquises, el Rapto de Proserpina, David, Apolo y Dafne.

A finales del siglo XVII, los Borghese podían contar con una colección de alrededor de 800 pinturas y con una de las colecciones de antigüedades más célebres de Roma, además de un vasto patrimonio inmobiliario.

Fue precisamente la colección arqueológica la que despertó el interés de Napoleón Bonaparte, cuya hermana Paolina se había casado con el príncipe Camillo Borghese. Tras la venta forzada impuesta por el emperador, las esculturas, entre finales de 1807 y 1808, fueron desmontadas de su sede original y trasladadas al Museo del Louvre, donde hoy constituyen uno de los núcleos fundamentales de la colección arqueológica.

En los años siguientes, a través de las reintegraciones llevadas a cabo con la recuperación de estatuas y nuevas excavaciones promovidas por el encargado de asuntos del príncipe, Evasio Gozzani di San Giorgio, la Palazzina Pinciana adquirió su aspecto actual. En 1902, la Galería Borghese fue adquirida por el Estado italiano.

Paolina Borghese Bonaparte como Venus Victoriosa, Antonio Canova - Sala 1, Sala de la Paolina

La obra fue encargada en 1804 al célebre escultor veneciano por el príncipe Camillo Borghese en honor a su joven esposa, hermana menor del emperador Napoleón Bonaparte. No sin causar cierta controversia entre los contemporáneos, la princesa tomó la apariencia de la diosa Venus, victoriosa en el juicio de París, para exaltar su rango social y dinástico y su célebre belleza. Paolina yace semidesnuda sobre un diván de madera pintada, decorado con inserciones doradas, mientras presenta entre sus dedos delgados la manzana, atribuida a la diosa en señal de reconocimiento de su supremacía entre las deidades femeninas. Gracia antigua y artificio compositivo se combinan con la representación naturalista, casi pictórica, de los suaves tonos de piel y de los ligeros velos que cubren sus caderas.

Danae, Correggio - Sala 10, Sala de Hércules

El cuadro se inspira en el mito griego de Danae, hija del rey de Argos, Acrisio: habiendo un oráculo predicho al padre que sería asesinado por un hijo nacido de ella, fue encerrada en una torre de bronce, pero, como narra Ovidio en Las Metamorfosis, Júpiter la alcanzó en su prisión en forma de lluvia de oro y la convirtió en madre de Perseo. La tela forma parte de la serie de los Amores de Júpiter (junto con Leda, El Rapto de Ganimedes y Júpiter y Io) que Correggio pintó para Federico II Gonzaga, con el propósito de donarlas a Carlos V, en ocasión de su coronación en Bolonia en 1530.

Danae es una de las pocas pinturas de Correggio en las que la escena está ambientada en un interior doméstico. La intimidad de la atmósfera se ve aumentada por la presencia de los dos amorcillos que prueban en una piedra de toque la pureza del oro. La pintura de Correggio fue adquirida por el príncipe Camillo Borghese en 1827.

David, Gian Lorenzo Bernini - Sala 2, Sala de David

Bernini representa a David, el héroe bíblico en el instante que precede el lanzamiento de la piedra que impactará al gigante Goliat, convocado por los filisteos para luchar contra el ejército israelita del rey Saúl. En el suelo se encuentran la armadura donada por el soberano y una cítara, atributo habitual del héroe, aquí significativamente terminada en una cabeza de águila, evidente testimonio de la comisión y la intención celebratoria de la casa Borghese. La escultura por la parte posterior no está terminada, ya que originalmente estaba adosada a una pared de la actual Sala I. Al igual que en Apolo y Dafne, esta posición exaltaba en el espectador la percepción del desarrollo de la acción a través de la torsión del cuerpo y de los brazos contraídos sobre la honda, hasta llegar a la visión del rostro concentrado en el esfuerzo del momento, en el que se debería reconocer al mismo Bernini.

Apolo y Dafne, Gian Lorenzo Bernini - Sala 3, Sala de Apolo y Dafne

El sujeto del grupo escultórico es la fábula de Ovidio extraída de Las Metamorfosis, donde se narra que Apolo, debido a una venganza de Eros, es golpeado por una flecha de oro que lo hace enamorarse de la ninfa Dafne, seguidora de Diana. La joven, por su parte, atravesada por un dardo de plomo vil, rechaza el amor del Dios y ruega a su padre Peneo, deidad fluvial, que la ayude a cambiar esa apariencia que ha suscitado tanto amor. La obra representa el momento culminante de la metamorfosis de Dafne en un laurel. Bernini crea una escenificación teatral que destaca el desarrollo de la transformación.

El Rapto de Proserpina, Gian Lorenzo Bernini - Sala 4, Sala de los Emperadores

La escultura representa el rapto de Proserpina a manos de Plutón, dios de los Infiernos.

El mito, presente tanto en Claudiano (Sobre el rapto de Proserpina) como en Ovidio (Las Metamorfosis), narra el rapto de la joven a orillas del lago de Pergusa, cerca de Enna. La madre Cerera, diosa de las cosechas, locamente afligida, secó la tierra, forzando a Júpiter a interceder ante Plutón para permitir que la joven regresara con ella durante seis meses del año.

Bernini representa el momento culminante de la acción: el dios, fiero e insensible, está arrastrando a Proserpina al Hades, los músculos tensos en el esfuerzo de sostener el cuerpo que se está debatiendo, de tal manera que las manos de Plutón se hunden en su carne. Al realizar la obra, Bernini mira al virtuosismo de los escultores de la época manierista. A la verdad de la acción, buscada a través del profundo estudio de modelos antiguos, Bernini une la fuerza plástica, la intensidad expresiva de la joven, la libertad de la invención llevada hasta rozar los límites físicos del mármol.

David con la cabeza de Goliat, Caravaggio - Sala 8, Sala de Sileno

La pintura fue ejecutada, probablemente, en Nápoles, donde Caravaggio, huido de Roma en 1606, se encontraba en exilio por la acusación de homicidio. La obra representa la victoria del héroe de Israel sobre el gigante filisteo Goliat. Sin embargo, David no manifiesta una actitud fiera de triunfo mientras sostiene y observa la cabeza decapitada de Goliat; su expresión es más bien de piedad hacia ese "pecador", en cuyo rostro Caravaggio habría representado su propio autorretrato. La descripción del rostro de Goliat, tan vívidamente expresiva en la frente arrugada, la boca abierta por el último aliento, la mirada sufrida, el rostro inerte, representa el resultado del drama humano vivido por el artista. La inscripción que aparece en la espada "H.AS O S" ha sido interpretada por la crítica con el lema agustiniano Humilitas occidit superbiam. El episodio bíblico se convierte así en un impresionante testimonio de los últimos meses de vida de Caravaggio, haciendo plausible la hipótesis de que el pintor habría enviado la tela al cardenal Scipione Borghese como un regalo para ser entregado al papa Paulo V a fin de obtener el perdón y el regreso a su patria. La gracia fue otorgada, pero Caravaggio, casi al final del viaje hacia Roma, murió en la playa de Porto Ercole por circunstancias aún misteriosas.

Dama con unicornio, Rafael - Sala 9, Sala de Didón

La joven representada es una muchacha florentina, como se deduce de la preciosa vestimenta a la moda de principios del siglo XVI, la gamurra. La pintura, de la que no se tienen noticias documentarias ciertas, fue encargada, probablemente, como regalo de bodas.

Lo sugieren algunos detalles decorativos, en particular las piedras del colgante (rubí y zafiro), símbolos de las virtudes conyugales y de la pureza virginal de la novia, y la perla esmeralda, símbolo del amor espiritual y de la feminidad creadora, ya desde la antigüedad. El mismo collar de oro, caracterizado por el nudo, es una clara referencia al vínculo matrimonial. De igual manera, se ha interpretado la presencia del pequeño unicornio que reposa en su regazo, un animal fantástico extraído de la literatura medieval, atributo de la virginidad. La ejecución de la pintura debe datarse en los años de la estancia florentina, antes de la transferencia de Rafael a Roma.

Amor sagrado y amor profano, Tiziano - Sala 20, Sala de Psique

La obra ha constituido durante siglos un verdadero enigma interpretativo. Fue probablemente encargada por el Secretario del Consejo de los Diez, Niccolò Aurelio, cuyo emblema está esculpido en la frente del sarcófago, con ocasión de su matrimonio con Laura Bagarotto, cuya empresa heráldica aparece en el fondo del cuenco de plata apoyado sobre el sarcófago. La referencia a la simbología nupcial se expresa a través de la coronita de arrayán y la hebilla, ambos atributos del amor conyugal, llevada por la muchacha sentada a la izquierda. El eje central de la composición está constituido por la evidente contraposición de las dos figuras femeninas, fisionómicamente similares: una vestida, en acto de mirar hacia el espectador, la otra desnuda, que se dirige hacia ella en actitud de exhortación. La lámpara que sostiene en la mano, símbolo del ardor amoroso, permite identificarla como Venus, mientras que en el centro Cupido revuelve el agua del sarcófago transformado en fuente. Las últimas consideraciones críticas tienden a privilegiar el significado matrimonial de la pintura, es decir, la exaltación de las cualidades de la esposa perfecta: espléndidamente vestida en su dignidad pública, rica en atributos nupciales acordes a su nivel social, pero al mismo tiempo desnuda y ardiente de amor por su esposo en el ámbito íntimo.

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La Galería Borghese es el único museo en el mundo que ofrece un depósito concebido como una auténtica sala de exposiciones. En 2005, en el tercer piso del edificio, se organizó una "segunda pinacoteca", un espacio luminoso y organizado abierto regularmente al público, ordenado por escuelas de pintura y por áreas temáticas.

Aquí se conserva aquella parte de la colección que no tiene cabida en los dos pisos inferiores. En el gran ambiente de los depósitos se exhiben, en dos niveles, alrededor de 260 pinturas. En el pasillo exterior se encuentran grandes lienzos de ámbito raffaellesco, entre los que destaca la espléndida Madonna con Niño de Scipione Pulzone, la Madonna con Niño de Perin del Vaga, la copia de la célebre Madonna de Casa de Alba de la National Gallery de Washington.

El salón central está dominado por la gran tela de Lavinia Fontana que representa a Minerva en acto de vestirse, que perteneció al cardenal Scipione Borghese, quien la adquirió directamente al artista o a sus herederos. En el lado opuesto se encuentra el Cristo portacroce, majestuoso cuadro históricamente atribuido a Sebastiano del Piombo, pero cuyo reciente restauro ha permitido la nueva atribución a Giovanni De Vecchi. A lo largo de las paredes dedicadas al Quinientos y al Seiscientos se exhiben, entre otras, telas de los Carracci y Las Tres edades del hombre, copia de Tiziano de Sassoferrato.

En el vano central se encuentra La Deposición de Cristo en el sepulcro de Passignano; en el piso superior, el Cristo flagelado de Giovanni Baglione, el biógrafo de Caravaggio. En las vitrinas se conservan pinturas de dimensiones más pequeñas, entre las que se encuentran los espléndidos óleos sobre piedra peisina de Antonio Tempesta, La toma de Jerusalén y Paisaje fantástico.

Horarios

La Galería Borghese está abierta de lunes a viernes, de 9.00 a 19.00, con último ingreso a las 17.00.

Por motivos de seguridad relacionados con la conformación del edificio histórico, el acceso al museo está regulado en turnos de visita de dos horas cada uno, con un máximo de 100 personas en cada turno, en los siguientes horarios de entrada y salida:

09.00-11.00 11.00-13.00 13.00-15.00 15.00-17.00 17.00-19.00

Entradas

La reserva es obligatoria. Se puede adquirir el billete en el sitio oficial o llamando al número +39 06 32810.

Visitas guiadas

La Galería Borghese ofrece visitas guiadas en italiano e inglés, pero también están disponibles en otros idiomas. El costo de las visitas guiadas es de 8 €, además del precio de la entrada y los derechos de reserva.

Las visitas guiadas se llevan a cabo todos los viernes a las 15.00 y a las 17.00.

Visitas a los depósitos

Las visitas guiadas a los depósitos han sido momentáneamente suspendidas y deberían reanudarse a partir del mes de marzo. Para más información, contacte al número 06 67233753 o escriba a la dirección ga-bor.info@beniculturali.it

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