Œuvres d'art à voir en Italie
Il ne suffirait pas d'une vie pour découvrir toutes les œuvres d'art que l'Italie abrite. Notre pays est un coffre rempli de trésors qui ont traversé les siècles et franchi les frontières. Les chefs-d'œuvre de l'art italien sont aujourd'hui connus dans le monde entier et méritent d'être connus surtout par les Italiens.
La liste des œuvres d'art à voir en Italie serait infinie, c'est pourquoi nous avons choisi 15 chefs-d'œuvre à ne pas manquer lors d'une hypothétique tournée dans la péninsule.
Œuvres d'art à voir en Italie
Naissance de Vénus, Botticelli - Galeries des Offices, Florence
La Naissance de Vénus de Botticelli est une œuvre iconique de la Renaissance italienne. Le célèbre tableau représente l'arrivée sur l'île de Chypre de la déesse de l'amour et de la beauté, née de la mousse de la mer et portée par les vents Zéphyr et, peut-être, Aura. La déesse se tient sur une coquille, pure et parfaite comme une perle. Elle est accueillie par une jeune femme, identifiée comme l'une des Grâces ou comme l'Heure du printemps, qui lui tend un manteau parsemé de fleurs. Les roses apportées par les vents évoquent également la saison printanière. Le thème du tableau, qui célèbre Vénus comme symbole d'amour et de beauté, a peut-être été suggéré par le poète Agnolo Poliziano. L'œuvre a probablement été commandée par la famille des Médicis. Botticelli s'inspire des statues de l'époque classique pour le comportement pudique de Vénus, qui couvre sa nudité avec ses longs cheveux blonds, dont les reflets lumineux sont obtenus par l'application d'or ; même le couple de vents qui vole enlacé est une citation d'une œuvre ancienne, une gemme de l'époque hellénistique possédée par Lorenzo le Magnifique. La Vénus de Botticelli est devenue un canon de beauté féminine universelle.
Le Printemps, Botticelli - Les Galeries des Offices, Florence
Le Printemps est le symbole de la renaissance de la nature à travers l'amour. Le tableau de Botticelli montre neuf figures de la mythologie classique marchant sur un pré fleuri, au milieu d'une forêt d'orangers et de lauriers.
En lisant l'œuvre de droite à gauche, on voit au premier plan Zéphyr qui embrasse et féconde la nymphe Chloris, représentée peu après sous les traits de Flora, déesse de l'éclosion. Au centre de la composition, légèrement reculé, se tient la déesse de l'amour et de la beauté Vénus, dîment vêtue, et Cupidon, représenté bandé alors qu'il tire la flèche d'amour. À gauche, dansent en cercle les trois Grâces, divinités mineures bienveillantes proches de Vénus. Ferme la composition Mercure, le messager des dieux, portant un casque et des sandales ailées, qui effleure d'un caducée un nuage. Tout en restant mystérieux, la signification complexe de la composition célèbre l'amour, la paix, la prospérité. La végétation est soigneusement représentée par Botticelli, qui s'inspire d'une observation attentive de la réalité. Dans ce seul pré, environ 500 espèces de plantes et de fleurs ont été recensées. Le tableau a été peint pour Lorenzo de' Médici qui l'a placé dans sa villa de Castello.
David, Michel-Ange - Galerie de l'Académie, Florence
Giorgio Vasari, peintre, architecte et historien de l'art italien, a décrit le David de Michel-Ange comme la plus belle sculpture jamais réalisée. L'œuvre représente le héros biblique au moment avant d'affronter Goliath. La commande de l'œuvre a été confiée à Buonarroti par les ouvriers de la cathédrale de Florence le 16 août 1501, pour un montant de 400 ducats. Après trois ans de travail, Michel-Ange présente la gigantesque sculpture de 5,17 mètres de hauteur et de plus de cinq tonnes de poids, qui a immédiatement suscité émerveillement et stupéfaction. Il a alors été décidé de réunir une commission d'artistes, dont faisait également partie Léonard de Vinci, pour décider où placer le chef-d'œuvre.
Le 25 janvier 1504, la commission a décidé que le David devait être placé à l'entrée du Palais Vieux, comme emblème de la force et de l'indépendance des Florentins. Le 8 septembre 1504, la statue a été révélée à la ville, suscitant l'admiration de tous.
À l'origine, certaines parties étaient dorées : une couronne sur la tête, le tronc derrière la jambe droite et la fronde. Aujourd'hui, le David se trouve à la Galerie de l'Académie.
Dern Supper, Léonard de Vinci - Réfectoire de Santa Maria delle Grazie, Milan
Le Dernier Souper, également connu sous le nom de Cenacolo, peint entre 1494 et début 1498, est considéré comme la peinture murale peut-être la plus importante au monde, qualifiée par Giorgio Vasari dans ses Vies de "chose belle et merveilleuse". Peintre, architecte, sculpteur, ingénieur, inventeur, mathématicien, anatomiste et écrivain, Léonard de Vinci incarne l'homme polymorphe rêvé par la Renaissance italienne. Le Cenacolo est peut-être le témoignage le plus complet de son génie multiforme, de son désir d'expérimentation, de sa curiosité inépuisable. Durant la période où il travaille à la peinture, le dernier décade du Quattrocento, Léonard s'engage en effet dans des études sur la lumière, le son, le mouvement mais aussi sur les émotions humaines et leur expression. De ces intérêts, nous trouvons un reflet dans le Cenacolo, où, plus que dans peut-être toute autre de ses œuvres, l'attention de Léonard à la représentation, à travers les postures, les gestes, les expressions de ceux qu'il appelait lui-même les "mouvements de l'âme", est évidente.
Depuis septembre 1980, le Cenacolo, avec l'église et le couvent Dominicain de Santa Maria delle Grazie, ont été déclarés patrimoine mondial de l'UNESCO. Parmi les raisons, il est dit que "le Cenacolo a exercé une influence considérable, non seulement sur le développement d'un thème iconographique mais aussi sur le destin de la peinture", et enfin "il n'est pas exagéré d'affirmer que sa réalisation a ouvert une nouvelle ère dans l'histoire de l'art". L'œuvre est visitable sur réservation en raison des nombreuses demandes.
Création d'Adam et le Jugement dernier, Michel-Ange - Chapelle Sixtine, Musées du Vatican, Rome
La Création d'Adam est probablement la fresque la plus célèbre de la Chapelle Sixtine, réalisée par Michel-Ange en 1511 et située dans la voûte. Michel-Ange s'est inspiré de la phrase de la Bible : "Dieu créa l'homme à son image ; / à l'image de Dieu, il le créa" (Genèse 1, 27).
L'épisode de la création de l'homme a donc pour point focal le contact entre les doigts du Créateur et ceux d'Adam, à travers lequel le souffle de la vie se transmet. Dieu, soutenu par des anges en vol et enveloppé dans un manteau, se penche vers Adam, représenté comme un athlète au repos, dont la beauté semble confirmer les paroles de l'Ancien Testament, selon lesquelles l'homme a été créé à l'image et à la ressemblance de Dieu. Vers la fin de 1533, Clément VII de Médicis (pape de 1523 à 1534) a chargé Michel-Ange de modifier encore la décoration de la Chapelle Sixtine en peignant sur le mur derrière l'autel le Jugement dernier.
Dans cette fresque, Michel-Ange a voulu représenter le retour glorieux du Christ à la lumière des textes du Nouveau Testament. L'artiste a commencé cette œuvre grandiose en 1536 et l'a terminée à l'automne 1541. Michel-Ange, en utilisant ses extraordinaires capacités artistiques, a fait de la Chapelle Sixtine "le sanctuaire de la théologie du corps humain", a dit ensuite Jean-Paul II. Cette magnifique composition se concentre sur la figure dominante du Christ, capturée dans l'instant précédant celui où sera émis le verdict du jugement. À côté du Christ se trouve la Vierge, qui tourne la tête dans un geste de résignation : elle ne peut en effet plus intervenir dans la décision, mais seulement attendre l'issue du jugement. Même les saints et les élus, disposés autour des deux figures de la mère et du fils, attendent avec impatience de connaître le verdict. Dans la bande inférieure, au centre, les anges de l'apocalypse réveillent les morts au son des longues trompettes ; à gauche, les ressuscités s'élancent vers le ciel pour récupérer les corps, à droite, anges et démons s'affrontent pour précipiter les damnés en enfer. Enfin, en bas, Charon, à coups de pagaie, fait descendre les damnés de sa barque pour les conduire devant le juge infernal Minos, dont le corps est enveloppé dans les spirales du serpent.
Pauline Borghèse Bonaparte en tant que Vénus Vainqueur, Antonio Canova - Galerie Borghèse, Rome
L'œuvre a été commandée en 1804 à Antonio Canova par le prince Camillo Borghèse en honneur de sa jeune épouse, sœur cadette de l'empereur Napoléon Bonaparte. Non sans soulever un certain émoi parmi les contemporains, la princesse a revêtu les traits de la déesse Vénus, victorieuse dans le jugement de Paris, pour exalter son rang social et dynastique ainsi que sa beauté célébrée.
Pauline repose à moitié nue sur une causeuse en bois peint, décorée d'inserts dorés, tandis qu'elle présente entre ses doigts fins le pommeau, attribué à la déesse en signe de reconnaissance de sa suprématie parmi les divinités féminines. Grâce antique et artifice compositif s'accordent à la finition naturaliste, presque picturale, des carnations douces et des voiles légers qui couvrent ses hanches. Pauline Borghèse est un chef-d'œuvre de la sculpture néoclassique de Canova, exposée à la Galerie Borghèse de Rome. Pour voir la sculpture la plus célèbre d'Amour et Psyché, il faudra aller au musée du Louvre à Paris.
Enlèvement de Proserpine, Gian Lorenzo Bernini - Galerie Borghèse, Rome
La sculpture représente l'enlèvement de Proserpine par Pluton, le dieu des enfers.
Le mythe, présent aussi bien chez Claude (De raptu Proserpine) que chez Ovide (Les Métamorphoses), raconte l'enlèvement de la jeune fille sur les rives du lac de Pergusa, à proximité d'Enna. La mère Cérès, déesse des moissons, folle de chagrin, a réduit la terre à la sécheresse, obligeant Jupiter à intervenir auprès de Pluton pour permettre à la jeune de retourner auprès d'elle pendant six mois de l'année. Bernini représente le moment culminant de l'action : le dieu fier et insensible entraîne Proserpine dans l'Hadès, les muscles tendus par l'effort de maintenir le corps qui se débat, tant et si bien que les mains de Pluton s'enfoncent dans sa chair. Pour réaliser l'œuvre, Bernini s'inspire du virtuose des sculpteurs de l'époque maniériste. À la véracité de l'action, recherchée à travers l'étude approfondie des modèles anciens, Bernini conjugue la force plastique, l'intensité expressive de la jeune fille, la liberté de l'invention poussée à frôler les limites physiques du marbre.
Les fresques de Giotto à la Chapelle des Scrovegni, Padoue
La Chapelle des Scrovegni de Padoue abrite les célèbres fresques de Giotto, considérées comme un chef-d'œuvre de la peinture du Trecento italien et européen. C'est le cycle le plus complet de fresques réalisé par le grand maître toscan à sa maturité, probablement entre 1303 et 1305.
Le cycle pictural se déploie sur toute la surface intérieure de la chapelle et se compose de 39 épisodes de la vie de la Vierge et de la vie du Christ, peints à l'intérieur de cadres le long des nef et de l'arche triomphale. L'ensemble du mur du fond est occupé par le majestueux jugement dernier, auquel on parvient en suivant la séquence des 14 figures des vices et des vertus dans la bande inférieure des murs. La décoration picturale occupe également la voûte, où le ciel étoilé est décoré de trois bandes décoratives.
Christ Voilé, Giuseppe Sanmartino - Chapelle Sansevero, Naples
Le Christ Voilé est un joyau de la sculpture baroque, réalisé par l'artiste napolitain Giuseppe Sanmartino en 1753. Il est considéré comme l'un des plus grands chefs-d'œuvre de la sculpture de tous les temps qui, depuis le XVIIIe siècle, attire des voyageurs illustres, dont Antonio Canova, le marquis de Sade, l'écrivain argentin Hector Bianciotti et Riccardo Muti parmi les derniers. C'est une statue en marbre sculptée à taille humaine, représentant Jésus-Christ mort, couvert par un suaire transparent réalisé du même bloc de la statue. La particularité est précisément la transparence du voile qui semble reposé sur le corps du Christ, mais qui n'est en réalité que le fruit de l'habileté de l'artiste.
Pendant des siècles, il a même été faussement cru à un processus alchimique de marbrification du suaire, réalisé par le prince de Sansevero, commanditaire de l'œuvre ayant la réputation d'alchimiste. La veine enflée et encore palpitante sur le front, les perforations des clous sur les pieds et sur les mains fines, le thorax creusé et détendu dans la mort sont le signe de l'intense recherche de Sanmartino. La merveilleuse sculpture est, donc, une évocation dramatique, qui fait de la souffrance du Christ le symbole du destin et de la rédemption de l'humanité entière.
Les Bronzes de Riace - Musée Archéologique National de Reggio de Calabre
Les Bronzes de Riace, considérés comme l'une des témoignages les plus significatifs de l'art grec classique, sont deux statues en bronze représentant deux hommes nus, initialement armés d'un bouclier et d'une lance, devenues symboles de la ville de Reggio de Calabre. Les Bronzes, aujourd'hui exposés au Musée Archéologique de Reggio de Calabre, ont été découverts en 1972, dans un état de conservation exceptionnel, au fond de la mer Ionienne, près de la commune de Riace Marina, par un passionné de plongée lors d'une immersion à environ 200 mètres de la côte et à une profondeur de 8 mètres.
Les hypothèses sur l'origine, la datation et les auteurs des statues sont diverses. On suppose que les Bronzes auraient été jetés à la mer lors d'une tempête pour alléger le navire qui les transportait ou que l'embarcation elle-même se soit échouée avec les statues. Hautes de 1,98 et 1,97 mètres et pesant 160 kg, les statues datent probablement de la moitié du Ve siècle av. J.-C. et ont certainement été exécutées à Argos, dans le Péloponnèse.
Bacchus, Caravage - Galeries des Offices, Florence
Le tableau s'inscrit dans la série juvénile des demi-figures peintes par Caravage "en clair" qui comprend des œuvres comme le Fruttaiolo, exposé à la Galerie Borghèse de Rome, le Garçon mordu par le lézard de la Fondation Longhi à Florence, le Panier de fruits de la Pinacothèque Ambrosiana de Milan. Caravage, protagoniste à Rome dans la première décennie du XVIIe siècle d'une révolution en peinture qui a envahi toute l'Europe, fait preuve dans cette œuvre d'une magistrale représentation naturaliste du monde végétal. Étonnant est la représentation du panier de fruits et de la coupe de vin offerte par le Dieu, interprétés par certains chercheurs comme une invitation horatienne à la vie frugale, à la convivialité et à l'amitié. La figure sculpturale de Bacchus, à l'expression étourdie par le vin, est inspirée des modèles de l'art classique, en particulier des portraits d'Antinoüs, et apparaît imprégnée d'une sensualité langoureuse. Mina Gregori a perçu une vision particulière de l'antiquité célébrant la liberté des sens et une référence aux rites initiatiques et aux déguisements bacchiques pratiqués à Rome. Cette œuvre remonte à la jeunesse du peintre, alors qu'il se trouvait à Rome sous la protection du cardinal Francesco Maria del Monte. Ce tableau, avec la Méduse, a été donné par le Cardinal del Monte à Ferdinand I de' Médici à l'occasion de la célébration des noces de son fils Cosimo II en 1608.
La Pietà, Michel-Ange - Basilique Saint-Pierre, Rome
La Pietà a été réalisée entre 1497 et 1499 et est considérée comme le premier chef-d'œuvre de Michel-Ange, ainsi que l'un des plus grands exemples de l'art occidental. La sculpture représente la Vierge Marie tenant dans ses bras le Christ mort.
Traditionnellement, la scène était représentée avec une certaine rigidité, mais Michel-Ange lui a donné une naturalité et une fluidité sans précédent, avec les deux figures se fondant dans une touchante intimité, formant une structure pyramidal particulière, fondée sur les amples vêtements de Marie. La saillie rocheuse sur laquelle se tient la Vierge représente le mont Calvaire. Initialement située dans la chapelle de Sainte Pétroline, elle a ensuite été transférée à la Basilique Saint-Pierre au Vatican en 1517.
L'Extase de Sainte Thérèse d'Avila, Bernini - Église de Santa Maria della Vittoria, Rome
L'Extase de Sainte Thérèse d'Avila est une sculpture en marbre et en bronze doré, réalisée par Gian Lorenzo Bernini entre 1645 et 1652 et placée dans la chapelle Cornaro, située dans l'église de Santa Maria della Vittoria à Rome. La sculpture représente Sainte Thérèse d'Avila semi-allongée au-dessus d'un nuage qui l'emporte haut dans le ciel. Au-dessus d'elle, à gauche, un chérubin lance une flèche pour frapper la sainte au cœur en déplaçant le tissu de sa robe. Sainte Thérèse porte également une robe très ample et vaporeuse, mouvementée par le vent. Enfin, son corps est complètement abandonné et son visage exprime une expression langoureuse. Ses yeux fermés sont tournés vers le ciel et ses lèvres sont légèrement entrouvertes. Bernini s'est inspiré d'un passage des écrits de la sainte qui décrit l'une de ses expériences mystiques, décrites comme un ravissement céleste (Sainte Thérèse d'Avila, Autobiographie, XXIX, 13). L'œuvre est également connue sous le nom de Transverberation de Sainte Thérèse d'Avila. Le terme transverberation dérive du latin "trans verberare", c'est-à-dire transpercer. Selon l'interprétation mystique catholique, le Christ ou un ange transpercent physiquement avec un objet tranchant le cœur du fidèle. La flèche, donc, lancée par le chérubin, est le symbole de l'amour divin. Bernini crée une mise en scène d'une grande théâtralité dans le style baroque.
Les fresques de Raphaël à la Villa Farnesina, Rome
La Villa Farnesina à Rome est un palais emblématique de l'architecture de la Renaissance du début du XVIe siècle, orné par les plus grands artistes de l'époque. En particulier, la Loggia de l'Amour et Psyché est le chef-d'œuvre de Raphaël Sanzio, qui a peint sur la voûte un cycle de fresques inspirées par les événements d'Amour et Psyché, tirés des Métamorphoses, ou de L'âne d'or d'Apulée.
Conçue comme un lieu de divertissement et de délices surplombant le jardin, la loggia constituait l'entrée principale de la villa trasteverine du riche marchand et banquier siennois Agostino Chigi. Dans la loggia, Raphaël exprime un nouveau concept de décoration picturale, réalisant une parfaite osmose entre l'intérieur et l'extérieur, à la fois par le dispositif figuratif de l'ensemble de la voûte avec la fable d'Amour et Psyché, et par la technique exécutive des festons de Giovanni da Udine. Ainsi, la loggia ouverte sur le jardin se transforme en un unique pergola végétal célébrant l'histoire d'amour racontée par le mythe.
Les mosaïques de la Chapelle Palatine - Palais des Normands, Palermo
La Chapelle Palatine est une basilique de style normand-byzantin qui se trouve dans le complexe architectural du Palais des Normands à Palermo. Construite en 1130 à la demande du roi Roger II, la Chapelle Palatine est caractérisée par la commixture de styles latin, byzantin et arabe, représentant la synthèse culturelle et politique réalisée par les normands en Sicile. Patrimoine de l'UNESCO, la chapelle fait partie du parcours de Palerme arabo-normande et est un lieu magique à voir au moins une fois dans la vie. Ce qui vous laissera vraiment sans mots, ce sont les mosaïques de la Chapelle Palatine, parmi les plus importantes de Sicile et les plus belles d'Italie. Œuvres d'artistes locaux et grecs, les mosaïques originales de l'école byzantine sont inspirées de la Genèse, de la vie du Christ et des apôtres Pierre et Paul, des saints, des anges et des prophètes, dans un triomphe de lumière qui naît de millions de tesselles dorées. Bien que principalement de thème religieux, les mosaïques contiennent également des scènes profanes et des représentations de la flore et de la faune. Elles sont probablement les seules témoignages aussi étendus arrivés jusqu'à nous de mosaïques profanes de l'école byzantine.
Auteur : Francesca Ferri
Photo de l'article : © Franco Origlia/Getty Images